La Fashion Week russe (RFW) s'est ouverte. L'organisateur du défilé de mode ALEXANDER SHUMSKY a expliqué à la chroniqueuse d'Izvestia LIDIA SHAMINA les principes de l'organisation de RFW-2004.
news : RFW existe depuis plusieurs années maintenant, et chaque année vous présentez de nouveaux noms de designers, dont on n'a alors jamais entendu parler. Quelle est la raison ?
Alexandre Choumski : Au contraire, de nombreux noms sont connus : Fresh Art, Max Chernitsov, Olga Romina, Avtandil et bien d'autres, sans compter les stars évidentes. Notre tâche est d'organiser un spectacle digne du designer, et la façon dont il utilise ensuite ce début dépend de sa créativité, de sa mentalité et de sa capacité à évoluer vers une qualité industrielle différente. D’un autre côté, beaucoup ne sont pas encore prêts à acheter des vêtements de créateurs russes. C'est un problème de consommation. De plus, les prix des articles de créateurs russes ne sont pas toujours adéquats. Quant au point de vente proprement dit, nous avons littéralement amené les créateurs par la main dans de nombreuses boutiques. Et Neil Barrett, participant de la semaine dernière, m'a dit que ses ventes en Russie avaient augmenté plusieurs fois - et cela après un spectacle à RFW. Une autre chose est ce qu'il a fait pour cela : il a trouvé des partenaires, assuré des approvisionnements.
news : Cette fois, un « British Day » entier est déclaré dans la semaine. Sur quelles bases avez-vous sélectionné des créateurs anglais ?
Shumsky : Nous avons le même principe de sélection pour tout le monde : le créateur doit être pertinent, à la pointe de la mode. S'ils sont débutants, nous jugeons par leur portfolio. Notre tâche est de montrer des expériences, mais pas étudiantes, mais d'un niveau assez élevé, celles qui peuvent influencer le développement de la mode et des tendances russes. Avec les Britanniques, tout s'est avéré simple : par l'intermédiaire du British Fashion Council et de l'ambassade britannique, nous avons envoyé des invitations aux maisons de couture anglaises, elles ont répondu, et nous avons fait le choix nous-mêmes - et beaucoup, d'ailleurs, l'ont été refusé.
Izvestia : Votre communiqué de presse indique que vous allez intégrer la mode russe en Occident.
Shumsky : Oui, « l’incorporation » est un grand et bel objectif, mais comment pouvez-vous incorporer quelque chose qui est encore en développement ? Alors que nous sommes engagés dans l'information. Et puis – où se constituer en société ? N'importe quel designer belge ou allemand donnera cent points d'avance à un Russe en termes de production et d'affaires. La seule chose dans laquelle nous pouvons rivaliser avec l’Occident, c’est le talent. Par exemple, les critiques de mode occidentaux qui étaient présents aux semaines précédentes sont de retour. C'est-à-dire qu'ils s'intéressent vraiment à la mode russe. Notre tâche est de faire comprendre que non seulement l'artisanat populaire ou les créateurs de « couture » prospèrent dans notre pays, mais qu'il existe toute une couche de créateurs de mode jeunes, ambitieux, compétents et véritablement européens.
Producteur général de la Mercedes-Benz Fashion Week Russie Alexandre Choumski a longtemps été à juste titre considéré comme l'un des experts les plus objectifs de l'industrie nationale de la mode. Saison après saison, organisant le plus grand événement de Moscou, auquel participent les plus grands créateurs russes, Shumsky, bon gré mal gré, est témoin du développement de la mode dans notre pays. Ayant vu la situation de l'intérieur pendant de nombreuses années, il possède suffisamment de connaissances pour analyser les succès commerciaux et d'image des créateurs de mode russes, dont il parle périodiquement dans des interviews exclusives. C'est ce que la conversation est devenue Alexandra Choumski avec un correspondant du journal "Kommersant". Nous vous présentons cette interview.
— Êtes-vous d'accord que les tâches que les fashion week résolvent aujourd'hui, et celles qu'elles ont résolues, disons, il y a dix ans, ont beaucoup changé ?
- J'en ai parlé plusieurs fois. Aujourd’hui, l’objectif principal des Fashion Weeks est la communication sous une forme ou une autre, le reste est secondaire. Dans l'ensemble, tout ce que font les créateurs aujourd'hui au cours de la semaine est d'essayer de maximiser l'effet médiatique du défilé. Auparavant, la présentation de modèles sur le podium était destinée à la sélection primaire : les acheteurs sélectionnaient les modèles pour les magasins. Mais c’était il y a à peine dix ans. Aujourd'hui, les acheteurs achètent simplement l'intégralité du podium auprès des grandes marques, car ces éléments seront présents sur toutes les pages, tous les écrans et sur tous les réseaux sociaux.
Les gens viendront dans les magasins pour ces choses. Ils viennent rencontrer des marques inconnues sur leurs salons et regardent toujours l'effet médiatique. Aujourd’hui, les acheteurs sont autant les invités des défilés et des soirées des fashion week que les clients des créateurs. La fonctionnalité des fashion week a changé depuis longtemps, et les événements récents liés au modèle « voir maintenant, acheter maintenant » ne font que confirmer ces changements. Le display est avant tout du marketing. Même si pour certains créateurs, il s'agit d'un événement de vente, lorsque la collection est vendue à des clients privés directement depuis les podiums, cela a toujours été le cas pour les petites marques. Depuis le podium, il est difficile d'acheter auprès de sociétés comme Prada ou Dior, tout le monde peut le faire, en France comme en Mongolie.
« Néanmoins, les salons restent fermés aux spécialistes.
— Depuis plusieurs années, de grands créateurs expérimentent l'invitation du grand public, tant à New York qu'à Milan. Les spectacles eux-mêmes changent également. Découvrez comment les défilés de certaines marques ont évolué. Gaultier avec des tableaux, Chanel avec supermarché, affichage holographique Ralph Lauren. Aujourd'hui, de nombreuses personnes ont commencé à transformer leur spectacle en spectacle, ce qui nécessite une augmentation des coûts. Mais cela porte également ses fruits : on parle davantage d'une telle émission et on la montre plus souvent. Auparavant, les spectacles étaient généralement plus stricts, mais pas ici. Quand il est venu chez nous Mario Boselli, alors président de la Chambre italienne de la mode, maintenant il en est le président d'honneur, pour la première fois en 2005, on lui a posé une question stupide : quelle différence voyez-vous entre la Fashion Week de Milan et la Fashion Week russe ? On l'a trouvé : les Russes font plus de représentations théâtrales, ici à Milan tout est strict. C'est une question stupide, car il n'est pas nécessaire de comparer les spectacles de Milan, Paris et Moscou.
Toutefois, la principale différence réside dans les concepteurs, dans leur influence sur les processus globaux et, bien sûr, dans la taille de leur entreprise. Cela dicte l’attention sur certains spectacles. Les différences sont que, par exemple, en Italie, il existe une industrie de la mode verticalement intégrée (ils n'utilisent pas le terme « industrie légère »), mais dans notre pays, elle se trouve dans la même position subordonnée complexe qu'à l'époque soviétique. Mais nous avons des « professionnels » entre guillemets qui donnent encore l'exemple des designers russes, disons : Prada, une entreprise avec un chiffre d'affaires de 3 milliards d'euros. Prada il faut donner un exemple dans un autre cas, et non pour les designers. Il s’agit d’une marque qui est une force motrice sur le marché, et elle est devenue l’une des forces motrices bien avant de se transformer en entreprise.
Les créateurs et les marques se situent au sommet du secteur de la mode en Italie, définissant le travail de ceux qui se situent au bas de l'échelle : les entreprises de vêtements et de textile. Ici à Moscou, lors d'une récente conférence internationale Futurum de la modeétait Carlo Capasa, l'actuel président de la Chambre Italienne de la Mode, et il a dit ceci : les marques qui font partie de la Chambre Italienne de la Mode (environ 200) représentent directement 50 % du chiffre d'affaires de l'ensemble du marché et indirectement 25 % supplémentaires. Soit 200 marques qui réalisent 75 % du chiffre d'affaires de l'ensemble de l'industrie italienne de la mode et génèrent des commandes pour l'ensemble de la chaîne de production de 70 milliards d'euros. À cela s'ajoute l'influence qu'elles ont sur le monde entier.
Nos créateurs sont à peine visibles sur le marché russe : si l'on prend 200 grandes marques, dont Zaitsev, Chapurin, Gulyaev, Akhmadullina, Gauzer et toutes les autres, leur chiffre d'affaires total ne dépassera pas 1 % de notre marché de 2,3 billions de roubles. Et cela ne l'a jamais dépassé : ni dans les années 80, quand il n'y avait pas de designers en tant que classe, ni dans les années 2000.
— Il s'avère que notre industrie de la mode n'a pas beaucoup progressé depuis l'époque de l'Union soviétique, donc nous vivons toujours dans le « soviétique » ?
— J'ai récemment eu un différend avec un fonctionnaire fédéral compétent concernant la terminologie : il a insisté sur le fait que « light industrial » en anglais, lorsqu'il est appliqué à la production de tissus et de vêtements, est traduit par light industrial. J'ai essayé d'expliquer que dans le contexte dans lequel nous utilisons le terme « industrie légère » en Russie, il devrait être traduit par industrie du textile et de l'habillement. Dans notre pays, personne n'appelle industrie légère la production de produits et l'assemblage de téléviseurs, alors que ces types de production appartiennent à la partie légère de l'industrie, si l'on garde à l'esprit le dualisme des industries légères et lourdes.
Dans certains pays, on préfère utiliser le terme industrie de la mode pour parler de la production de vêtements et de chaussures. L’industrie légère ne concerne pas du tout les vêtements. Il s’agit « d’ampoules », du moins c’est ainsi que les locuteurs natifs travaillant dans l’industrie internationale de la mode perçoivent ce terme. La terminologie est une petite chose, mais les petites choses s'additionnent pour former une grande image. Il s'avère que pendant tout ce temps, nous avons travaillé non pas sur le développement de l'industrie de la mode, mais sur les ampoules.
Il n’est pas surprenant que notre industrie de la mode se trouve à peu près dans la même situation qu’en 1985 en Union soviétique. Personne n'a particulièrement bien grandi ; tous les designers plus ou moins célèbres ne sont accessibles qu'à un cercle restreint d'un point de vue business, ils n'atteignent même pas le niveau d'une startup européenne. Mais même dans cette situation, « l’industrie de l’ampoule électrique » progresse. Il y a maintenant ceux qui sont en croissance, qui pourront à l'avenir passer des commandes pour l'ensemble du secteur d'activité.
-Qui grandit ?
— De notre emploi du temps, vous pouvez certainement noter Ksenia Kniazeva, qui agit avec beaucoup de prudence, progressivement, prend son temps, réalise des collections commerciales claires et travaille très bien avec les ventes, développant son propre business. Son nom n'est pas si connu du public glamour, mais c'est uniquement parce que le parti n'accepte que ceux qui font la fête - les mots ont la même racine.
Si vous travaillez à la place, il vous sera difficile d’être reconnu au sein du Garden Ring. Mais c'est un prix douteux, pour être honnête. Ventes de 25 à 30 000 unités par an, comme Ksenia Kniazeva, - c'est une tentative de réussite. Ayant commencé à défiler il y a quelques saisons à la Mercedes-Benz Fashion Week Russia, Ksenia a également suscité l'intérêt des critiques de mode - des publications de mode américaines et italiennes ont parlé d'elle. Cela a peu d’effet, mais cela montre la valeur du designer. Je pense qu’elle possède désormais l’une des entreprises de mode les plus prospères du marché, même si elle n’est pas une créatrice célèbre. Mais Knyazeva semble jusqu’à présent être une exception. Fondamentalement, les designers russes abordent les affaires différemment. Plus précisément, ils considèrent d’autres choses comme des « affaires ». Par exemple, la socialisation des épouses et des maîtresses sans talents particuliers en matière de mode a rendu cette industrie peu attrayante pour les investisseurs. L’attitude standard envers la mode en Russie : tout est frivole.
Bien sûr, ce n’est pas grave si vous investissez des millions d’euros par an dans votre entreprise et qu’à la fin vous obtenez des ventes qui s’élèvent à des centaines de milliers, et ainsi de suite pendant de nombreuses années consécutives. Le faste et le petit commerce prennent fin exactement quand quelqu'un arrête de dépenser ces millions d'euros. Il serait difficile de qualifier cette activité de business. De plus, certains ont l’habitude de gagner de l’argent sur le processus et non sur le résultat. Lorsque nous avons créé la Chambre russe de la mode, notre objectif était précisément de briser cette tendance. Il est nécessaire de développer systématiquement l’industrie de la mode, en comprenant sa position dans la chaîne de production moderne.
On ne peut pas associer la mode à « l’industrie de l’ampoule électrique », mais elle peut et doit être liée à l’industrie du textile et de l’habillement. Au moins c'est de ce design dont je parlais Carlo Capasa, président de la Chambre Nationale de la Mode d'Italie, à propos de la verticale, où les marques de mode sont en haut et les fabricants en bas. Ceux du haut forment l’ordre. Cette verticale abrite tout naturellement l'artisanat, les artisans et les détaillants ; il y a de la place aussi bien pour les petites marques que pour les enseignes de chaîne.
— On parle beaucoup aujourd'hui du soutien à l'industrie légère. Vous en parlez aussi souvent. En outre, l'une des séances de votre forum Fashion Futurum concernait le soutien de l'État à ce secteur - Viktor Evtukhov, vice-ministre de l'Industrie et du Commerce, qui supervise l'industrie légère, y a participé. L’État soutient-il aussi la mode ?
— L'État soutient les producteurs. Ceux qui créent la mode et qui peuvent potentiellement influencer les tendances sont aujourd'hui soutenus par la Fashion Week et la Fashion Chamber. Mais les concepteurs sont également à blâmer. Beaucoup d’entre eux se sont adressés aux autorités, certains ont pris la parole lors d’événements publics, appelant l’État à les aider financièrement. Mais il existe des milliers de designers – le budget russe ne suffit pas à tous. Et quel est l’intérêt d’aider ceux qui ont déjà dépensé des millions de dollars sans aucun résultat visible ?
Notre entreprise de mode a une mauvaise attitude envers l’argent. Par exemple, tout investisseur risque d’être sponsor. Peu de gens pensent à récupérer leur argent ; pour une raison quelconque, tout le monde veut seulement dépenser. Cela est compréhensible : il existe des modèles des années 90 et 2000 qui dépensaient beaucoup mais ne gagnaient pas. Et certains pensent encore qu’on peut demander à un investisseur qui a investi un demi-million de partir s’il n’est pas prêt à continuer à « investir », comme ça, entre guillemets. De plus, du point de vue de l'État, ceux qui paient régulièrement des impôts au Trésor méritent d'être aidés.
Les entreprises sont en première ligne : quand on a mille couturières, on ne peut pas payer les salaires dans une enveloppe. Contribuer à augmenter votre facture fiscale est un concept clair. Mais lorsqu’un célèbre créateur vend une robe contre de l’argent au-delà de la caisse enregistreuse, y pense-t-il ?
Toutes ces ventes à travers Instagram- certaines petites marques en vivent - sont-elles liées d'une manière ou d'une autre au remplissage du budget de l'État ? Il est logique de demander de l’aide à l’État lorsque toutes ces situations sont transparentes. Vous voyez, l’industrie ne commencera à se développer que lorsqu’elle aura une unité d’objectifs ; et quand l'un a besoin de pain d'épices, un autre a besoin de danser, et un quatrième pense aux étoiles, il est très difficile d'en créer une industrie.
Il existe de nombreux créateurs sur notre marché qui créent des modes pour l'expression de soi ou la socialisation. L'éthique des affaires est à un niveau très bas. Certaines personnes n’en ont pas besoin : leur petit ami ou leur mari gère leurs finances uniquement pour que la fille puisse faire quelque chose. Quelqu'un en a besoin, mais manque de professionnalisme. Diverses raisons. Néanmoins, l’industrie russe de la mode est dans un état de démarrage permanent depuis 20 ans. Et cycliquement, tous les cinq ans, une nouvelle génération de designers apparaît, qui commet les mêmes erreurs.
- Par exemple, lesquels ?
— La première chose qui me vient à l'esprit est une tentative d'entrée sur le marché international. Les créateurs russes vivent selon le concept « voir Paris et mourir »
Tous les créateurs du monde, pas seulement russes, veulent aller à Paris. En principe, il est clair que c'est la capitale de la mode mondiale ; Ici, tout le monde essaie d’y aller parce qu’ils ne voient pas de marché ici et rêvent d’acheteurs qui viendront l’acheter. En fait, le monde a changé depuis longtemps et il n’est pas nécessaire d’aller à Paris pour réussir.
Eh bien, que pouvez-vous y trouver - une douzaine de magasins à travers le monde ? Avec un chiffre d'affaires total de 30 milliers d'euros ? Aujourd’hui, personne n’achète pour 100 000 € de nouvelles marques, en particulier des créateurs russes inconnus. La commande pourrait s'élever à 2 à 3 000 €. Quel genre d'entreprise existe-t-il ? Et ici, il y a un énorme marché qui leur demande de faire quelque chose. Il y a une dizaine d'années, un voyage à Paris (Milan, Londres, etc.) pouvait servir à du marketing ici à Moscou. Cela a fonctionné et nous a permis de doubler le prix des robes. Mais depuis lors, le monde a changé, et la Russie aussi – pour le mieux. Pour la plupart des consommateurs russes, la reconnaissance à l’étranger n’est pas une condition indispensable à l’achat. La montée du sentiment patriotique dans notre pays au cours des deux dernières années a renforcé cette tendance.
Mais on ne peut pas dire que nos créateurs ne soient pas les bienvenus à Paris : tous ceux qui sont prêts à dépenser et à dépenser y sont les bienvenus. On peut citer une douzaine de noms russes qui sont apparus, et certains continuent de le faire, à Paris, et aucun d'entre eux ne se vend au-delà des podiums. Autrement dit, il est possible de vendre ou de donner depuis le podium, mais même avec l'aide des showrooms locaux, ce n'est pas possible. La seule réussite russe n’a rien à voir avec les dépenses importantes qui font la renommée des Russes dans les capitales de la mode. Et cette success story n’a pas grand chose de commun avec celle de Moscou. Je veux dire Gosha Rubchinsky, qui a longtemps travaillé dans un format de niche sous l'aile Commes des Garsons, mais au cours des deux dernières années, il a explosé et vend 50 000 unités par saison dans le monde. C'est déjà une bonne affaire par rapport aux normes internationales. Mais maintenant, il serait correct de qualifier Gosha de designer londonien, après tout, l'entreprise est dirigée depuis Commes des Garsons.
— Donc, à votre avis, les créateurs russes ne devraient même pas essayer de pénétrer le marché international ?
— La demande intérieure de produits « Made in Russia » a considérablement augmenté ces deux dernières années. Ceci devrait être utilisé en premier. Mais cela n’annule pas l’exportation. Un rouble faible nous aidera.
J'ai des statistiques de projet "Mode. Fabriqué en Russie" sur Ali Express. Dans le cadre du projet, 100 fabricants russes de vêtements et d'accessoires ont été exposés sur le site d'Ali Express. Il y avait des semaines où jusqu'à 10 000 acheteurs potentiels visitaient la page du projet par jour. Il y a eu très peu d'achats eux-mêmes, car les prix de nos fabricants se sont révélés non compétitifs par rapport à l'assortiment chinois d'Ali Express. Vous ne pouvez rien y faire. Il est impossible de vendre le T-shirt à imprimé floral d'Anna Chapman pour 1 676 roubles, si les Chinois proposent presque le même, mais avec broderie, pour 356 roubles. Mais j'ai mentionné Ali Express en raison de l'intérêt en dehors de la Russie. Si ces choses semblaient chères ici, alors les acheteurs en Europe, qui ont vu les éléments du projet dans la sélection sur le site Web, mais n'ont pas pu les acheter (Ali Express ne les vendait qu'en Russie), ont écrit des lettres au support technique pour leur demander où et comment ils pouvaient les acheter. eux. Et il y avait beaucoup de ces lettres : géographie - de l'Espagne à Israël.
- Pourtant, ce n'est pas Paris, il faut aller à Tel Aviv...
"C'est juste qu'il n'est pas du tout nécessaire d'y aller aujourd'hui." Le commerce en ligne fait du monde un marché commun. Même mentionné en Russie Ksenia Kniazeva Il vend la plupart de ses articles en région via une boutique en ligne. Oui, il y a des problèmes avec l'envoi d'un article de Russie à un client en Australie, mais cela sera résolu dans un avenir proche. De plus, aujourd’hui, il n’est plus nécessaire d’aller à Paris ou à New York pour faire des relations publiques internationales de qualité. Les défilés de Moscou sont reproduits dans les médias internationaux afin que les créateurs russes attirent l'attention des stylistes des plus grandes stars. Moscou en tant que destination mode suscite plus d'intérêt aujourd'hui qu'il y a, disons, trois ans, et je trouve étrange que certaines personnes refusent d'en profiter, essayant sans succès de se frayer un chemin à Paris ou à New York. Il faut de gros budgets là-bas, mais pas à Moscou.
Marque de Saint-Pétersbourg Saint-Tokyo habillé Lady Gaga, UN Portnoy Beso après le premier défilé à la Mercedes-Benz Fashion Week, la Russie a reçu une commande de Rihanna.
La Fashion Week de Moscou au Manège diffuse tous les défilés sur Internet sur plus de 100 sites ; en seulement cinq jours, ils sont regardés par 500 000 personnes dans le monde - cela s'ajoute aux autres opportunités dont nous disposons. Je ne peux pas dire exactement ce qui a conduit RihannaÀ Portnoy Beso- publication sur le site américain Vogue ou Fashionista, en distribuant du contenu visuel via la plateforme Getty Images (70 000 abonnés, principalement des médias) ou en utilisant le service Radar, qui compte plus de 20 000 abonnés de stylistes et rédacteurs dans le monde et que nous utilisons pour promouvoir les défilés.
Quoi qu'il en soit, le fait est clair : aujourd'hui, il n'est pas nécessaire de dépenser des dizaines ou des centaines de milliers d'euros pour Karl Otto ou une agence à Hollywood pour décrocher une star de premier plan. Cela peut être fait sans quitter Moscou en recevant une subvention pour une participation gratuite à la fashion week, et les contacts de tous les créateurs se trouvent sur le site. Mais que cette star aide-t-elle les affaires du créateur est une question complètement différente.
— Il existe un stéréotype : en Russie, le moyen le plus simple d'obtenir une promotion est de passer par l'Occident.
- Si vous êtes reconnu en Occident, tout le monde marchera sur la pointe des pieds devant vous. Une psychologie imparfaite, si vous y regardez bien. Aujourd'hui, cela ne fonctionne plus.
Le succès ne doit pas être mesuré par le montant d'argent dépensé pour soi dans une capitale de la mode, mais par le nombre d'articles vendus dans le pays ou dans le monde, si l'on parle de l'industrie de la mode. Le succès est toujours un résultat et non un processus.
— À propos, à propos des subventions. Comment sélectionnez-vous les créateurs qui participent à la fashion week dans des conditions particulières, comme Ksenia Seraya, Portnoy Beso cette année ?
— Pour gagner à la loterie, vous devez acheter un billet. Les créateurs doivent au moins déposer une demande de subvention - elle est publiée sur le site Internet de la Chambre de la Mode. Nous regardons ce qui est à la mode et ce qui est démodé, ce que nous aimons et ce que nous n'aimons pas, le russe et le non-russe ; tout est très simple. Bien sûr, il y a aussi des critères objectifs : le créateur doit exister, pour que ce ne soit pas la première collection ; Nous introduisons certains paramètres chaque année, mais dans notre réalité, ils sont instables. Dans notre pays, seuls les créateurs qui ont leur propre clientèle ont une stabilité dans les défilés, et même cette saison, beaucoup ont manqué et n'ont pas fait le défilé - ils n'avaient pas assez d'énergie, d'argent, de temps, et ce sont de grands noms, encore moins les jeunes.
Par contre, nous avons des gens qui se présentent depuis longtemps et avec succès : Ioulia Nikolaïeva, Alena Akhmadullina, Slava Zaïtsev. Mais il y a toujours de la place pour de nouveaux noms – nous avons besoin d’équilibre, nous recherchons des jeunes. Aujourd'hui, la principale tendance mondiale de la mode est celle des nouveaux noms. Notre fashion week prévoit une certaine rotation - c'est correct dans une situation où aucun de ceux qui défilent à Moscou n'a une entreprise importante et stable. D’un autre côté, si nous fournissons une ressource, nous avons besoin que le concepteur l’utilise. Nous n'avons pas besoin de créateurs pour une saison. Nous avons besoin de progrès à ce sujet. Il y a en réalité un problème : la situation économique turbulente ne permet pas une planification normale.
En aucun cas, nous ne pouvons soutenir indéfiniment le concepteur ; nous donnons une impulsion au développement. Vous n’autorisez pas l’idée que quelqu’un à New York ou à Paris participe aux frais de la fashion week ? Il existe bien sûr des programmes de soutien, des incubateurs de mode – ils offrent de telles opportunités aux talents en herbe. Nous faisons de même. Et le célèbre designer lui-même doit soutenir ses jeunes collègues. Alors ils nous ont laissé nager librement Tatiana Parfenova, Svetlana Teguine Et Ruban. À un moment donné, il est devenu évident qu’ils avaient atteint un certain niveau et qu’il n’était pas approprié qu’ils bénéficient des préférences que nous accordons aux jeunes créateurs débutants. Ils sont capables de payer eux-mêmes leurs factures.
— Désormais, ils sont affichés sur des plates-formes distinctes. La fashion week ne devrait-elle pas essayer de les garder, après tout, ce sont des créateurs laïcs et célèbres ?
— La mode est une affaire égoïste, pas collective, il faut donc comprendre : tout créateur rêve de faire un défilé à part des autres. Si la situation financière de la marque le permet, n'hésitez pas à le faire. Toute fashion week existe pour rationaliser le processus. D'une part, c'est l'unité de temps et de lieu, il est pratique pour tout le monde de venir, en peu de temps vous pouvez voir le nombre maximum de noms, y compris les nouveaux.
D’un autre côté, le coût de production d’un spectacle n’est pas comparable à ce qu’il faudrait dépenser pour un spectacle séparé, même dans un restaurant. Ici, pas un seul défilé laïque ne peut se comparer à notre fashion week en termes d'efficacité par rouble investi : à Manège, elle est bien plus élevée que d'autres options à Moscou. Et ce n’est pas seulement une question de positionnement international, mais aussi de qualité de la « production » – le podium, la lumière, le son et la qualité de l’ambiance. Une autre chose est que tout le monde ne comprend pas comment utiliser la semaine aux fins prévues.
Et concernant la rétention de créateurs laïques et célèbres, je peux dire ceci : aujourd'hui, on peut rendre une marque célèbre en une ou deux saisons. Il est impossible de montrer tous les bons créateurs pendant la fashion week : ils sont nombreux, et de nouveaux apparaissent chaque saison. La Fashion Week n'est pas un concert ; nous n'avons pas besoin de noms pour vendre des billets.
De plus, certains « noms » ne se comportent pas de manière tout à fait adéquate. Par exemple, "Rusmode" en a fait une condition de participation Alexandra Terekhovaà la Mercedes-Benz Fashion Week Russie - une absence indispensable Alena Akhmadullina sur le calendrier. Autrement dit, elle a exigé qu'Alena soit retirée de notre podium. Je comprends qu'Akhmadullina et Lavrentyeva ont un passé commun et, apparemment, pour la seconde, ce n'est pas très rose, mais une telle proposition est incorrecte. Nous ne supprimerons pas un designer pour le bien d’un autre, ce n’est pas professionnel. C'est drôle qu'Akhmadullina et Terekhov aient tous deux commencé à défiler sur le podium de la Fashion Week russe (c'est ainsi que s'appelait la fashion week avant de signer un accord de partenariat avec Mercedes-Benz en 2011).
Nous avons fait le premier spectacle de Terekhov quand il avait 18 ans, son talent était immédiatement visible. C’est d’ailleurs le même principe auquel adhère actuellement la fashion week. Si nous voyons un talent évident, nous l'aiderons à tirer - c'est le but de notre programme de subventions, et les designers honorés peuvent payer leur propre promotion.
— Que pensez-vous du fait que certains créateurs refusent de montrer ? Kirill Gasilin a fait des défilés avec vous, puis s'est arrêté, puis a sorti un film de mode sous forme de défilé.
- Avec le système moderne de diffusion de l'information, le chemin peut être n'importe lequel. Envoyer un lookbook ou réaliser un film est une bonne option pour économiser de l'argent sur l'exposition, mais les possibilités d'une telle promotion sont très limitées. Tom Ford fait également des films au lieu de spectacles - cela est largement couvert par les médias. Comme tous les autres films de mode réunis, pour être précis. Pour toute marque, l’événement restera le principal outil de communication.
Un défilé est une opportunité de se démarquer, c’est une opportunité de créer du contenu qui sera demandé si votre mode en est digne. Par exemple, la plupart des sites Web de mode dans le monde comportent des sections consacrées aux défilés, auxquelles vous ne pouvez pas accéder avec un lookbook. Certains spectacles ne fonctionnent que sur le marché intérieur.
Si un créateur de Berlin, Stockholm, Tokyo ou Moscou participe à la Mercedes-Benz Fashion Week (semaines de la mode dont Mercedes-Benz est le partenaire titre, il y en a plus de 40 dans le monde), alors il a toutes les chances d'aller au-delà du local. domaine médiatique et, comme nous l’avons vu plus haut, atteindre les principales stars. S'il y présente un défilé indépendant, ils n'écriront sur lui que dans les médias locaux - cela met en colère les créateurs de mode indépendants ambitieux à Moscou et à Berlin, mais c'est ainsi que le système fonctionne partout dans le monde, et pas autrement. Il est logique de s'unir pour valoriser ce qui se passe dans votre ville, car les mêmes marques russes sont intéressantes si elles sont présentées à Moscou, mais à Paris elles ressemblent à des étrangères, au mieux des immigrés. Cet obstacle est facile à surmonter, mais seulement avec l’aide de l’argent.
— Lors de la conférence Fashion Futurum, qui s'est tenue dans le cadre du MBFW Russie, différents intervenants ont souvent exprimé l'idée : nous devons utiliser des matériaux et des technologies locales, prendre soin des caractéristiques nationales, c'est précieux. Qu'en pensez-vous : devons-nous nous positionner en tant que designer russe ou est-ce que cela n'a pas d'importance du tout ?
— La mode nationale doit avoir une identification. Cela est nécessaire à la formation d’une industrie. Nous avons toutes les raisons de développer une identification ; les designers peuvent utiliser leur « bagage » culturel. La mode nationale est déterminée par l'environnement dans lequel les gens vivent, le contexte culturel ; relativement parlant, les designers américains sont plus commerciaux - ils font des affaires, les Scandinaves font du minimalisme parce qu'ils y vivent. Pour que tout le monde comprenne que Moscou est devenue une capitale de la mode, les créateurs russes doivent trouver une sorte d'identifiant. Vous devez vous appuyer sur quelque chose.
— À part Alena Akhmadullina, qui me vient naturellement à l'esprit, qui d'autre peut faire cela ?
- Tête d'affiche en ce sens - Slava Zaïtsev. Il est porteur du style russe.
« Seulement, il est un peu en retrait des temps modernes. »
- Non, je ne suis pas d'accord. Il travaille juste dans une esthétique différente, et il ne fait pas de prêt-à-porter, il n’a pas pour mission de réaliser 100 exemplaires de la robe. Akhmadullina, bien sûr, crée la « mode russe », originale, non simplifiée par une citation directe. Mais elle n'est pas la seule : Dasha Razumikhina Depuis de nombreuses années, elle est « assise » sur la dentelle de Vologda, même si elle ne vient pas de Vologda, mais de Riga. À Vologda, où se trouvent toutes ces productions de dentelle et artels, elle ne peut pas commander - elle ne peut pas travailler avec eux, elle passe donc des commandes de dentelle dans les États baltes. Dans le même temps, Dasha écrit sur le site Internet qu'il s'agit de dentelle de Vologda, car elle comprend l'importance de l'identification. Si elle écrit « Riga », elle n’est plus une créatrice russe. Doublure de Khokhloma Denis Simachev en temps voulu - c'est la bonne tentative de construire une légende russe autour de la marque. Je crains seulement que Khokhloma s'inquiète toujours de ne pas avoir reçu d'argent pour la vulgarisation des motifs rouges et or par Simachev.
— L'identification nationale assure-t-elle le succès commercial des créateurs ?
— Chacun a sa propre idée du succès commercial. La beauté du moment actuel, c'est qu'il y a 10 ans, tout designer rêvait de devenir Giorgio Armani ou Miuccia Prada, mais maintenant cela n'existe plus. De nombreux designers n’y pensent même pas. Quelqu’un vend 500 choses par an, et ça lui suffit pour aller à Goa, il est content. Il y a aussi des gens ambitieux qui veulent devenir nouveaux Ralph Lauren; tu dois juste t'en souvenir Ralph Lauren le chiffre d'affaires est de 7 milliards par an, et il faut beaucoup de temps pour atteindre cet objectif et un chemin très particulier.
Aujourd’hui, le nombre de nouveaux créateurs dans le monde est hors du commun et de nouveaux apparaissent chaque jour. C'était, me semble-t-il, l'idée principale de la conférence Fashion Futurum : maintenant, le monde de la mode est devenu décentralisé, et même les collègues de la Chambre italienne de la mode le reconnaissent - j'ai ressenti, en discutant avec eux, à quel point cela les inquiète. Ils comprennent que pour l'instant ils influencent ce marché, mais ces dernières années, des dizaines de milliers de nouvelles marques sont apparues - tant de marques indépendantes n'ont jamais existé dans le monde. Cette masse de nouvelles marques commence à détourner les clients du luxe et de la haute couture, rongeant ainsi leur marché.
Les performances des grandes marques continuent de croître (en partie grâce aux nouveaux marchés), mais tout peut s'effondrer du jour au lendemain ; une nouvelle génération de consommateurs ne viendra tout simplement pas dans leurs magasins, mais ira chez Not Just A Label pour acheter de petits créateurs inconnus. NJAL n'est pas encore un acteur important sur le marché du commerce en ligne ; le chiffre d'affaires de sa boutique en ligne ne dépasse pas 3 à 4 millions d'euros par an. Mais NJAL s'est déconnecté et ouvre des magasins éphémères, comme sur Park Avenue à New York, où il vend des articles exclusifs, et le chiffre d'affaires annuel de ce point de vente dépasse celui de son propre site en ligne. Mais il s'agit d'un magasin d'un type nouveau : 90 % des revenus sont perçus par le créateur-fournisseur, alors que, comme dans le modèle traditionnel, le créateur touche 20 à 30 % du prix de vente au détail.
Le problème est que des projets comme Not Just A Label regroupent un grand nombre de nouvelles marques. Ils n’ont pas encore trouvé comment les aider à conquérir radicalement les marchés, mais personne ne sait ce qui se passera dans deux ans. Si je dis que la principale tendance de la mode dans le monde est celle des nouveaux noms, je veux dire NJAL et d'autres qui l'aiment. Les chiffres sont fantastiques : le britannique Not Just A Label regroupe 21 000 nouvelles marques (vêtements et accessoires), le site suédois Tictail représente plus de 40 000 petites marques de mode (les créateurs des deux sites se sont exprimés au Fashion Futurum de Moscou). Et ce ne sont là que deux plateformes, créées il y a seulement quatre ou cinq ans et opérant principalement dans le Vieux Monde. Et il y a aussi l'Asie. Il y a la Chine, où la demande pour sa propre mode augmente, qui est fournie au marché par des milliers de créateurs locaux. Des dizaines de milliers. Chacun d’eux n’est pas aussi puissant que Dior, mais ensemble, ils représentent une véritable force qui a le potentiel de révolutionner ce secteur.
— Au fait, pourquoi les petites marques ont-elles besoin de spectacles ? C’est une histoire complètement différente.
— Les impressions sont des phares pour le consommateur, une concentration d'attention. 61 000 marques - quelqu'un doit encore les comprendre. Aujourd’hui, tout le monde se dispute sur l’avenir des fashion week. La question est de savoir si les créateurs doivent présenter leurs collections six mois ou une semaine avant la livraison en magasin. La vitesse de diffusion de l'information est censée dicter ce qui doit être montré dans une semaine - le concept « voir maintenant, acheter maintenant ». Certaines marques qui façonnent le visage de la mode moderne insistent sur le fait que le consommateur doit languir d'impatience avant que l'article tant convoité n'arrive dans les magasins.
Je pense que l'idée des fashion week est désormais différente : elles font une sélection publique préalable, c'est une sorte de sélection de marques sur un marché où leur nombre a dépassé toutes les limites raisonnables. La portée internationale de notre fashion week dépend en grande partie de nos efforts de programmation. La sélectivité est un aspect important de la production de la fashion week.
Toutes les marques, même celles de niche, ont pour objectif de se démarquer. Et l’affichage est le moyen le plus coûteux, mais en même temps le plus bruyant et le plus efficace, d’atteindre les spécialistes et les consommateurs finaux. Un film de mode, c’est bien sûr cool, mais qui regardera mille vidéos ? Et bien plus encore sont déjà produits dans le monde chaque saison. La chose la plus en vogue en ce moment est la réalité virtuelle. La première personne qui y fera quelque chose attirera beaucoup d’attention, mais que se passe-t-il lorsqu’un millier de vidéos VR apparaissent sur le marché ?
« J’ai récemment demandé des informations à un ami créateur, propriétaire et fondateur d’une petite marque de vêtements pour hommes, pour faire une annonce, et j’ai été surpris par sa demande. Il a dit : n’écrivez pas mon nom, écrivez la marque. Et il n'est pas seul. J'ai remarqué cette tendance chez les petits créateurs : le plus souvent ce sont des travailleurs acharnés qui s'intéressent principalement à leur produit, et non au spectacle ou à la gloire ; Ils ne veulent pas du tout briller. Une telle anti-célébrité.
— C'est normal dans l'environnement de la mode moderne. Il en a toujours été ainsi ; certains y voient même un avantage. Et c'est évident : sur des milliers de nouvelles marques, au mieux une troisième rêve de devenir Chanel. Vous communiquez avec la majorité.
"Mais il est impossible de les sortir de cet état, même pour leur propre bien." Je vois cela comme une sorte de nouvel anonymat : ils sont nombreux, ils sont petits et n’ont pas de nom.
- Vous parlez d'un cas particulier. Ils ont des noms. Et il y a même une description de la collection. Le développement du commerce électronique a ouvert tous les marchés à ces marques : elles n'ont pas besoin d'un système de distribution traditionnel. La production de vêtements, notamment en petites éditions et en éditions exclusives, est une activité très rentable si vous avez la possibilité de vendre directement au client. Dans le secteur de la mode, ceux qui contrôlent non seulement le côté créatif du produit, mais également la vente au détail, gagnent le plus.
À quoi cela ressemble : un créateur coud un objet et paie, disons, 50 € pour cela - c'est le revenu de l'usine, qui peut gagner de 5 à 25 % de ce montant. Ensuite, le créateur donne cet article au showroom, par exemple, pour 150 €, dont le showroom prélève entre 8 % et 15 %. Dans le showroom, le magasin commande cet article et effectue une majoration de 2,5 à 3,5 fois, c'est-à-dire que dans le commerce de détail, l'article apparaîtra à un prix compris entre 375 € et 525 €. Prenons la valeur moyenne - 450. Avant les « prix de Milan » à Moscou, la majoration aurait d'ailleurs pu être 4,5 fois supérieure. Dans cette chaîne « alimentaire », l'usine gagnait le moins avec un article spécifique de 450 euros - de 2,5 à 12,5 euros. Le suivant est un grossiste, c'est-à-dire un showroom. Son revenu par article est de 12 € à 22,5 €. Le troisième pourrait être un designer : il lui restera entre 77,5 et 88 € par article (en tenant compte des frais d'usine et des déductions au showroom). Mais le magasin est le champion de la course. Le détaillant recevra entre 225 et 375 € par article s'il le vend avant les remises.
Ce diagramme n'est pas fictif, c'est un véritable tableau des revenus dans l'industrie de la mode. La seule chose qui est conditionnelle ici est le prix de l'article. De plus, les dépenses n'ont pas été calculées, chacun a les siennes : un créateur doit entretenir et promouvoir sa maison de couture, et un détaillant doit construire ou louer un magasin, mais maintenant cela n'a plus d'importance. En conséquence, les plus stables sur le marché sont ceux qui contrôlent la marge de détail, et cela s'applique à tout le monde, de Gucci à H&M. Avoir ses propres magasins est une condition importante pour la croissance des entreprises dans ce domaine.
Appliquons maintenant le schéma aux petites marques nouvelles : en contrôlant le prix de vente au détail, la marque recevra quatre à cinq fois plus de la vente d'un article qu'en distribuant ses produits via un showroom. Il se trouve que le commerce électronique a offert une telle opportunité à tout le monde, ce qui a provoqué un boom du nouveau marché de la mode. Un grand nombre de nouvelles marques – des centaines de milliers dans le monde – sont le résultat de changements tectoniques dans le commerce.
Et ce qui est le plus intéressant, c’est que ces marques essentiellement de niche gagnent en stabilité commerciale beaucoup plus rapidement que dans le secteur de la mode il y a dix ans. De plus, il y a une chance qu'une nouvelle génération grandisse avec ces nouvelles marques, qui portera un regard différent sur des piliers du luxe et des générateurs de profits comme Louis Vuitton. De nombreux consommateurs considèrent déjà que le luxe est la possession d'un objet exclusif qui ne ressemble à rien d'autre. On pourrait parler de révolution si la qualité des marques de niche n’était pas médiocre.
- Parfois, la qualité de leur image est mauvaise, mais dans le monde de la mode, cela peut être le principal facteur d'achat - prise de vue appropriée, publicité...
— La qualité du produit affecte radicalement la rapidité de distribution et la rentabilité. Mais on ne peut pas en dire autant de la qualité du contenu. C'est clairement en train de se détériorer, et le consommateur adore ça. Aujourd'hui, les photos sont perçues au format Instagram, les actualités et les informations visuelles sont principalement diffusées via les téléphones mobiles. L’ère du gloss pourrait prendre fin subitement. Gloss, c'est en partie de belles photos, parfois avec un gros budget. Vous essayez de faire vos valises pour le magazine et d'emmener l'équipe de tournage aux Seychelles, combien cela coûtera-t-il ? Mais pour une photo sur l'écran du smartphone, vous n'avez pas besoin d'appeler Mario Testino, c'est-à-dire que le smartphone devient le principal outil pour obtenir des informations et acheter des choses. « Votre propre réalisateur » a toujours été une plaisanterie, mais plus maintenant. Toute la logique du développement d'Internet conduit au fait que celui-ci deviendra la base de la commercialisation des produits de mode.
— Le compliment le plus drôle que j'ai reçu était : « Votre site a fière allure au format mobile. »
- Et c'est la chose la plus importante maintenant. Les gens commencent à lire ou à faire défiler rapidement. L'industrie de la mode aura bientôt besoin d'un nouveau concept de promotion, et les publications sur papier glacé ne l'ont pas encore proposé.
— Apparemment, tout s'accélère et les magazines devront s'adapter au nouveau consommateur, qui ne se concentrera pas longtemps et de manière réfléchie sur 400 pages de gloss. Les grandes marques de luxe produisent aussi non pas deux collections par an, mais bien plus…
— Il est dangereux d'accélérer la mode jusqu'à l'état de fast fashion. Deux événements saisonniers par an - deux fashion week - constituent une bonne structure de base pour la communication avec les consommateurs. De plus, la saisonnalité dans de nombreux pays du monde est conditionnelle, cependant, au Brésil et en Inde, il y a deux semaines de la mode par an. Burberry a fait ce que beaucoup pensaient être une sage décision en liant son émission au commerce de détail.
Mais je pense que c'est une voie dangereuse. Si les grandes marques arrêtent de montrer leurs idées très tôt, qui définira les tendances ? Si les grands joueurs aiment Burberry, quittent l'espace public, abandonnant leurs idées pour des événements fermés, alors une véritable révolution se produira. Supprimez la base idéologique des marques de fast fashion, et elles commenceront à créer elles-mêmes leurs collections, puis à les vendre selon le schéma du luxe.
Le plus grand danger, à mon avis, pour l'ordre mondial actuel de la mode est si H&M, Zara Et mangue commencera à créer des collections originales. Si H&M Et Zara va dicter les tendances mondiales, cela constituera un problème sérieux pour le luxe, et les marques de masse ont les ressources pour cela.
Bien sûr, il y a des clients du luxe qui, en principe, ne porteront rien de moins que 10 000 dollars, mais ils seront peu nombreux, surtout compte tenu de l'orientation sociale de la société occidentale. Et tout le monde se tournera volontiers vers des vêtements bon marché mais à la mode. La tendance mix&match est apparue et a commencé à fonctionner il y a à peine 15 ans ; elle s'est présentée avec un style urbain. De nos jours, plus personne ne porte de total look, seulement peut-être quelques princesses du pétrole. L’histoire s’estompe.
Mais tant qu’il y aura des designers qui auront des idées, ce système sera protégé. Si soudainement, demain, les créateurs décident de fermer les défilés de leurs futures collections et de ne laisser que les défilés au public, ils pousseront la fast fashion à commencer à fabriquer des produits originaux. Mais cela va tout changer. Ce sera un cauchemar pour l'industrie de la mode, les Italiens et les Français le sentent : tant qu'ils sont copiés, ils sont en avance. Le marché des copies soutient celui des originaux. Mais il peut y avoir un autre scénario : les tendances mondiales seront perdues, la consommation de mode sera basée sur des microtendances et il n'y aura plus de tendances du tout.
Immédiatement après la fin de RFW, son producteur général Alexander Shumsky a accepté de s'entretenir avec un correspondant du site Vesti.Ru et a évoqué la coopération avec l'Italie, la collection Castelbajac. Et une attitude particulière envers la charité, ainsi qu'envers la culture et l'histoire russes.
Alexandre, tous ceux qui ont déjà assisté à la Fashion Week russe, sans parler de ceux qui assistent régulièrement aux défilés, notent le niveau d'organisation de tous les événements dignes de l'Europe. Qu’est-ce qui vous aide à si bien mener des RFW ?
Super expérience. Nous utilisons l'agence Artifact PR comme base, et tout un groupe de professionnels travaille à plein temps à la fashion week. La Fondation russe de la mode et le ministère de la Culture de la Fédération de Russie soutiennent RFW. Artifact possède une vaste expérience dans l'organisation de divers événements, y compris le support d'information, et pas seulement dans le domaine de la mode. Par exemple, « Artifact » est l'attaché de presse officiel du Festival international du film de Moscou, et là, la tâche dépasse en complexité la Semaine de la mode russe. Dans la réalisation d'une fashion week, l'essentiel est le format et l'idéologie. Nous avons initialement construit l'événement selon les lois des principales semaines de la mode mondiales, nous n'avons donc aucun problème d'auto-identification. C'est pourquoi RFW a rapidement pris sa place sur la carte internationale de la mode, c'est pourquoi la Chambre nationale de la mode d'Italie n'avait aucun doute avec qui collaborer en Russie, et nous travaillons déjà avec des Italiens depuis cinq ans. La Fashion Week est une forme établie de communication entre les créateurs, le public professionnel et le consommateur final, c'est pourquoi toute nouvelle idée doit être lancée avec beaucoup de prudence. Et bien que l'essence et le contenu des fashion week aient beaucoup changé au cours des dix dernières années, la forme est restée la même, et cela mérite d'être pris en compte.
Vous vivez dans la mode depuis tellement d’années qu’il est difficile de vous surprendre. Et pourtant, je ne peux m'empêcher de vous demander de noter les spectacles dont vous vous souvenez, qui ont attiré votre attention par leur originalité.
En tant que producteur chez RFW, je dois garder mes opinions pour moi. Si le comité d’organisation de RFW accepte la demande de participation d’une personne, cela signifie que nous considérons ce concepteur comme prometteur. Et en ce sens, je ressens la même chose à l’égard de tous les participants à la Fashion Week russe. Malheureusement, tous les créateurs russes ne démontrent pas un niveau stable d'une saison à l'autre, c'est pourquoi les défilés sont faibles. Mais à ce stade de développement de ce qu’on appelle « l’industrie de la mode », cela n’est pas si important. Aujourd’hui, le processus est souvent plus important que le résultat. Pour la Fashion Week, ce n'est pas un problème, mais pour les créateurs, cela signifie qu'ils doivent travailler plus dur pour changer les choses.
RFW a été inaugurée par Vyacheslav Zaitsev et sa collection « Russian Modern III Millennium », consacrée aux saisons Diaghilev. S'ensuit une exposition des œuvres d'un Français, descendant des croisés, le 13e marquis Jean-Charles de Castelbajac, amoureux de la littérature de Tolstoï et de Dostoïevski. ET . Est-ce une coïncidence ou aviez-vous prévu de mettre un accent particulier sur l’histoire et la culture de la Russie ?
La Fashion Week russe se concentre toujours sur l'histoire et la culture de la Russie, à chaque saison. RFW est avant tout une plateforme destinée aux designers russes. Les étrangers sont nos invités et des invités comme Castelbajac préparent très soigneusement leurs spectacles en Russie. Ce n’est pas surprenant : notre marché est très attractif pour eux. Castelbajac, après avoir sorti le joueur de balalaïka avant le spectacle, a « acheté » le public exigeant de Moscou, cela ne fait que prouver son niveau de professionnalisme. Slava Zaitsev est, je n'ai pas peur de le dire, la base de la mode russe. Tout a commencé avec lui et grâce à lui tout continue - il suffit de rappeler son Laboratoire de Mode et le concours qui porte son nom. Lamanova, qui a produit un grand nombre de créateurs de mode de grande qualité. Glory enseigne et fait des collections. Lorsque nous avons discuté de l’ouverture de la Fashion Week russe, Viatcheslav Mikhaïlovitch lui-même a proposé de réaliser un défilé spécial dédié au 100e anniversaire des saisons de Diaghilev. Cela s'est avéré être un défilé de mode fantastique, mais je dois dire que Slava Zaitsev dans chacune de ses collections se concentre sur l'histoire et la culture de la Russie, ce qui a également été montré lors de son deuxième défilé à RFW - prêt-à-porter de luxe.
La fashion week française a été réduite à 3 jours ; en Angleterre, certains défilés de collections ont eu lieu en ligne. Comment la crise a-t-elle affecté la Fashion Week russe ?
Cette saison, nous avons raccourci la fashion week de 8 à 7 jours, ce qui n'a été que bénéfique. En raison de difficultés financières, une dizaine de créateurs décident de sauter la saison. J'espère qu'ils rattraperont leur retard dans les saisons à venir.
J'ai eu l'impression que, malgré l'abondance d'excellents créateurs de mode créant des collections dignes, il existe encore à Moscou et à Saint-Pétersbourg beaucoup plus de boutiques vendant des marques européennes célèbres que de vêtements russes. La situation va-t-elle changer ? Il serait peut-être plus facile pour vous de renverser la situation.
Vous abordez la question des affaires de nos designers russes respectés, et personne ne les aidera dans leurs affaires à part eux-mêmes. La relation entre le créateur et le magasin ne peut être réglée que par eux-mêmes, peut-être avec l'aide d'un showroom commercial, mais il s'agit d'une seule chaîne. Les organisateurs, les journalistes et simplement les sympathisants de RFW ne peuvent que créer des conditions favorables au développement des affaires, mais ne pourront pas établir ces liens pour les maisons de couture elles-mêmes. La Semaine de la mode russe promeut la mode russe et les créateurs russes. À partir de cette position, nous avons déjà brisé de nombreux stéréotypes et attitudes envers nos créateurs de mode de la part des structures commerciales, notamment. Ensuite, tout est entre les mains des créateurs de mode et de leurs managers. Soit dit en passant, beaucoup utilisent activement les avantages que RFW leur offre et se développent assez activement. Il y a cinq ans, nous amenions les acheteurs aux créateurs par la main. Aujourd'hui, les créateurs eux-mêmes doivent saisir l'occasion. Et beaucoup de gens l'utilisent - TSUM vend déjà plusieurs marques russes, par exemple.
Les collections de créateurs célèbres sont toujours impeccables, mais inaccessibles pour la classe moyenne. Ceci malgré le fait qu’une grande partie de leur travail n’est jamais achetée. Envisagez-vous de commencer à travailler avec des créateurs prêts à développer des vêtements abordables ?
- « Jamais acheté » est une déclaration forte. Ce ne sont que les plus célèbres qui se vendent. Lorsque nous parlons de la Fashion Week russe, nous entendons l’élite de la mode russe ; il ne s’agit pas d’un marché de masse. Nous ne parlons pas d'abordabilité, nous parlons de vêtements de marque, qui sont par définition chers. Et même si de nombreux exposants de RFW vendent des vêtements en grande quantité, un défilé est différent d'une collection dans un magasin. Pour tout créateur - russe ou italien - la fashion week est l'occasion d'une percée informationnelle. Il s'agit d'un événement promotionnel destiné aux clients et aux journalistes, qui dicte certaines règles. Dans le même temps, la plupart des modèles présentés sur les podiums pourraient être vendus en grande quantité, mais cela nécessite des investissements et une planification commerciale, pour lesquels tous nos designers ne sont pas doués. Le problème n'est pas seulement le manque d'argent, le problème est aussi l'éducation et le fait que nos créateurs de mode passent directement de l'université à leur propre maison de couture. En Occident, il aurait travaillé dix ans comme styliste dans différentes maisons de couture avant d'ouvrir sa propre entreprise. Je pense que c'est en Russie qu'il y a le plus grand nombre de « maisons de couture » enregistrées, dirigées par des jeunes de moins de 25 à 27 ans. Il existe même un « artefact » sous la forme de Kira Plastinina, qui est encore adolescente. C’est en partie pour cela qu’il faut mettre l’expression « maison de couture » entre guillemets.
Quels conseils pouvez-vous donner aux futurs créateurs de mode régionaux (le cas échéant) ? Comment peuvent-ils se rendre à la Fashion Week russe ? Que faut-il faire pour que vous y prêtiez attention ?
Il suffit de remplir une demande de participation sur le site www.rfw.ru, ou d'envoyer un e-mail à notre adresse avec une lettre et des photos. Nous passons en revue tout ce qui concerne RFW.
Dans le cadre de RFW, un événement caritatif « Nez rouge et karaoké avec les stars » a eu lieu - les fonds collectés ont servi à financer des chirurgies de haute technologie pour les enfants. Dans quelle mesure la charité est-elle appropriée pendant la fashion week ? Il existe une opinion selon laquelle les œuvres caritatives devraient être anonymes - êtes-vous d'accord avec cette affirmation ?
Pas dans ce cas. La Fashion Week doit avoir une fonction sociale car c'est un événement qui peut toucher des millions de personnes. Traditionnellement, les fashion week dans le monde sont associées à des programmes de lutte contre le sida. RFW a également travaillé avec un fonds similaire auparavant, mais notre coopération avec Life Line est plus substantielle. Il s'agit d'une aide ciblée sur des enfants spécifiques, et je suis heureux s'il est possible non seulement d'attirer l'attention sur les problèmes, mais aussi de collecter des fonds pour une opération spécifique - comme cela s'est produit la dernière fois. Pour nous, une telle coopération avec la Fondation Life Line n'est pas moins stratégique qu'un travail conjoint avec la Chambre nationale de la mode d'Italie et la Fashion Week de Milan.
La mode nationale doit avoir une identité. Cela est nécessaire à la formation d’une industrie. La mode nationale est déterminée par l'environnement dans lequel les gens vivent, le contexte culturel ; relativement parlant, les designers américains sont plus commerciaux - ils font des affaires, les Scandinaves font du minimalisme parce qu'ils y vivent. Pour que tout le monde comprenne que Moscou est devenue une capitale de la mode, les créateurs russes doivent trouver une sorte d'identifiant. Vous devez vous appuyer sur quelque chose. Tête d'affiche en ce sens - Il est porteur du style russe, il travaille juste dans un style différent et ne fait pas de prêt-à-porter, il n'a pas pour tâche de réaliser 100 exemplaires de la robe. fait certainement de la « mode russe », originale, non simplifiée par une citation directe. Mais elle n'est pas la seule : Dasha Razumikhina est « assise » sur la dentelle de Vologda depuis de nombreuses années, même si la sienne n'est pas de Vologda, mais de Riga. À Vologda, où se trouvent toutes ces productions de dentelle et artels, elle ne peut pas commander - elle ne peut pas travailler avec eux, elle passe donc des commandes de dentelle dans les États baltes. Dans le même temps, Dasha écrit sur le site Internet qu'il s'agit de dentelle de Vologda, car elle comprend l'importance de l'identification. Si elle écrit « Riga », elle n’est plus une créatrice russe. La doublure de Khokhloma à son époque est une tentative correcte de construire une légende russe autour de la marque. Je crains seulement que Khokhloma s'inquiète toujours de ne pas avoir reçu d'argent pour la vulgarisation des motifs rouges et or par Simachev.
N'importe quel designer dans le monde - pas seulement russe - veut aller à Paris. En principe, il est clair que c'est la capitale de la mode mondiale ; Ici, tout le monde essaie d’y aller parce qu’ils ne voient pas de marché ici et rêvent d’acheteurs qui viendront l’acheter. En fait, le monde a changé depuis longtemps et il n’est pas nécessaire d’aller à Paris pour réussir. Pour la plupart des consommateurs russes, la reconnaissance à l’étranger n’est pas une condition indispensable à l’achat. La montée du sentiment patriotique dans notre pays au cours des deux dernières années a renforcé cette tendance. Mais on ne peut pas dire que nos créateurs ne soient pas les bienvenus à Paris : tous ceux qui sont prêts à dépenser et à dépenser y sont les bienvenus. On peut citer une douzaine de noms russes qui sont apparus, et certains continuent de le faire, à Paris, et aucun d'entre eux ne se vend au-delà des podiums. De plus, aujourd’hui, il n’est plus nécessaire d’aller à Paris ou à New York pour faire des relations publiques internationales de qualité. Les défilés de Moscou sont reproduits dans les médias internationaux afin que les créateurs russes attirent l'attention des stylistes des plus grandes stars. Moscou en tant que destination mode suscite plus d'intérêt aujourd'hui qu'il y a, disons, trois ans, et je trouve étrange que certaines personnes refusent d'en profiter, essayant sans succès de se frayer un chemin à Paris ou à New York. Il faut de gros budgets là-bas, mais pas à Moscou.
Dans le secteur de la mode russe, une mauvaise attitude envers l’argent est pratiquée. Par exemple, tout investisseur risque d’être sponsor.
Deux événements saisonniers par an - deux semaines de la mode - constituent une bonne base pour la communication avec les consommateurs.
Burberry a fait ce que beaucoup considèrent comme une sage décision en annulant ses défilés saisonniers – mais je pense que c'est une voie dangereuse. Si les grandes marques arrêtent de montrer leurs idées très tôt, qui définira les tendances ? Si de grands acteurs comme Burberry quittent l’espace public, il y aura une véritable révolution. Supprimez la base idéologique de H&M et Zara, et ils commenceront à créer eux-mêmes leurs collections, puis à les vendre selon le schéma du luxe. Bien sûr, il y a des clients du luxe qui, en principe, ne porteront rien de moins que 10 000 dollars, mais ils seront peu nombreux, surtout compte tenu de l'orientation sociale de la société occidentale. Et tout le monde se tournera volontiers vers des vêtements bon marché mais à la mode. Si soudainement, demain, les créateurs décident de fermer les défilés de leurs futures collections et de ne laisser que les défilés au public, ils pousseront la fast fashion à commencer à fabriquer des produits originaux. Mais cela va tout changer. Ce sera un cauchemar pour l'industrie de la mode, les Italiens et les Français le sentent : tant qu'ils sont copiés, ils sont en avance. Le marché des copies soutient celui des originaux. Mais il peut y avoir un autre scénario : les tendances mondiales seront perdues, la consommation de mode sera basée sur des microtendances et il n'y aura plus de tendances du tout.
Le président exécutif de la Chambre nationale de la mode et président de la Fashion Week, Alexander Shumsky, est l'une des principales personnalités du monde de la mode à Moscou. Sa décision déterminera comment et quand auront lieu les fashion week et tous les événements qui les entourent, rapporte le site.
Ce n'est un secret pour personne que chaque année, de plus en plus de personnes souhaitent assister à des défilés de mode. Mais jusqu’à présent, partout dans le monde, l’accès à la fashion week se faisait uniquement sur invitation ou sur accréditation presse. L'un des journalistes présents à la conférence a contacté Choumsky pour lui poser une question sur la possibilité de généraliser ces événements.
La réponse a été très laconique : « Les Fashion Weeks du monde entier sont des événements auxquels vous pouvez assister uniquement sur invitation. C'est ce qui crée la motivation et l'envie d'assister à l'événement, et il me semble que tout devrait être comme ça. Mais nous faisons beaucoup pour distribuer du contenu à ceux qui n’ont pas pu venir ici. »
La journaliste JoeInfoMedia Natalia Harutyunyan rappelle qu'Alexandre Shumsky est devenu en 2003 la personne la plus influente de la mode russe selon le magazine Harper's Bazaar et déjà en 2004, le magazine sur papier glacé Om l'a reconnu comme l'un des trente-cinq hommes d'affaires les plus influents de Russie. 35 ans.
Alexander Shumsky et son ex-femme sont toujours les personnes les plus influentes du monde de la mode au monde. Le projet de la Fashion Week russe, dont le créateur était Shumsky, est l'une de ses principales idées.
